PSYCHOACTIVE PLANTS, RABBIT DUCK SERIES, 2024


Belladone Molécule, (21 x 21 cm ), 8,27 x 8,27 inch, gouache on wood panel, 2023

Mandragore, (21 x 21 cm ), 8,27 x 8,27 inch, gouache on wood panel, 2023

Los Niños, (21 x 21 cm ), 8,27 x 8,27 inch, gouache on wood panel, 2023

Les dauphins roses, (21 x 21 cm ), 8,27 x 8,27 inch, gouache on wood panel, 2023

Les jusquiâmes, (21 x 21 cm ), 8,27 x 8,27 inch, gouache on wood panel, 2023
Présentation de la série Lapin Canard : Au-delà du cadre et des plantes psychoactives
La série Lapin Canard explore la tension entre le visible et l’invisible, le tangible et l’immatériel, à travers de petites peintures représentant des plantes psychoactives. Chaque œuvre est centrée autour d’un écran de smartphone noir et éteint, qui agit comme un “hors-cadre“ — un point de rupture dans le flux incessant d’images et d’informations. Cet écran devient un symbole de pause, une invitation à regarder au-delà de ce qui est montré et à interroger ce que nous choisissons d’ignorer.Les plantes psychoactives, sujets centraux de la série, incarnent des états de conscience alternatifs et des savoirs ancestraux souvent marginalisés ou mal compris. Chaque peinture met en lumière une plante spécifique — ses racines, ses feuilles ou ses fleurs — révélant à la fois son potentiel médicinal et ses propriétés psychotropes. Elles incarnent une frontière poreuse entre le naturel et l’artificiel, le spirituel et le scientifique. Le Lapin Canard, signature récurrente de l’artiste, joue sur la perception et l’ambiguïté : voit-on un lapin ou un canard ? Ce motif souligne la multiplicité des interprétations et invite le spectateur à réfléchir sur la manière dont nous percevons et construisons notre réalité. À travers cette série, l’artiste interroge l’omniprésence des cadres numériques et leur influence sur notre vision du monde. En faisant de l’écran noir une absence volontaire, chaque œuvre devient un espace méditatif — un lieu où réapparaissent des récits oubliés et des vérités invisibles. Lapin Canard nous invite à un recentrement sur l’essentiel, par une contemplation poétique et critique des limites imposées par les cadres technologiques.
Presentation of the Rabbit Duck Series : Beyond the Frame and Psychoactive Plants
The Lapin Canard series explores the tension between the visible and the invisible, the tangible and the immaterial, through small-format paintings of psychoactive plants. Each piece is centered around a black, unlit smartphone screen, acting as an “off-frame” element—a point of rupture in the constant flow of images and information. This screen symbolizes a moment of pause, an invitation to look beyond what is shown and question what we choose to overlook.
Psychoactive plants, the focal subjects of the series, embody alternative states of consciousness and ancestral knowledge often marginalized or misunderstood. Each painting highlights a specific plant—its roots, leaves, or flowers—evoking both its medicinal potential and its psychotropic properties. These plants symbolize a porous boundary between the natural and artificial, the spiritual and the scientific.
The Lapin Canard, the artist’s recurring signature, plays with perception and ambiguity: is it a rabbit or a duck? This motif emphasizes the multiplicity of interpretations and invites the viewer to reflect on how we perceive and construct reality.
Through this series, the artist questions the omnipresence of digital frames and their influence on our vision of the world. By portraying the black screen as a deliberate absence, each piece becomes a meditative space—a place to explore forgotten narratives and invisible truths. Lapin Canard invites a re-centering on the essential through a poetic and critical contemplation of the limits imposed by technology’s framing.
FLUOXETINE VERSUS LOS NIÑOS, NATURALISM VERSUS ANIMISM SERIES, 2024





Fluoxétine versus Los Niños, Série Naturaliste versus Animiste
Matériaux : bois de récupération alimentaire, velours de soie, emballage
de fluoxétine (laboratoire Mylan), gravure sur emballage en
aluminium de pilule de fluoxétine, champignon Golden Teacher pour
microdosing, film screenprotector.
Dimensions : 19 x 10,5 cm
Fluoxetine versus Los Niños, Naturalist versus Animist Series
Materials: Reclaimed food-grade wood, silk velvet, packaging of
fluoxetine (Mylan Laboratories), engraving on aluminum pill blister of
fluoxetine, Golden Teacher mushroom for microdosing, screen protector
film.
Dimensions: 7.5 x 4.1 in
Fluoxétine versus Los Los Niños : Une Exploration de l’Addiction et de l’Épistémicide
L’œuvre Fluoxétine versus Golden Teacher, issue de la série Paradigme Naturaliste versus Animiste, met en lumière la tension entre deux paradigmes de guérison : l’un, occidental et pharmacologique, représenté par la fluoxétine, et l’autre, animiste et naturel, incarné par le champignon Golden Teacher. La plaque de bois recouverte de velours évoque l’addiction à nos téléphones, une dépendance aussi réconfortante que celle d’un doudou d’enfant.
La forme creuse de l’iceberg, découpée dans une boîte de fluoxétine, fait référence à l’inconscient selon Freud, soulignant le contraste entre ce qui est visible et ce qui est enfoui. La partie visible est occupée par la plaquette de médicament vide, symbole de la médicalisation des émotions en Occident. Dans la partie sombre, recouverte de velours, se trouve un morceau de psilocybine destiné au microdosage, une pratique récemment réintroduite en Suisse pour traiter la dépression, rappelant les usages ancestraux. Cette juxtaposition souligne l’épistémicide perpétré par l’Occident sur les sciences non-européennes, en mettant en avant des remèdes que l’on redécouvre après les avoir longtemps ignorés ou dénigrés.
Fluoxetine versus Los Niños: An Exploration of Addiction and Epistemicide
The work Fluoxetine versus Golden Teacher, from the series Naturalist Paradigm versus Animist Paradigm, highlights the tension between two healing approaches: one, Western and pharmacological, represented by fluoxetine, and the other, animist and natural, embodied by the Golden Teacher mushroom. The wooden board covered in velvet evokes addiction to our phones, a dependency as comforting as a child’s security blanket.
The hollow shape of the iceberg, cut from a fluoxetine box, references Freud’s iceberg of the unconscious, emphasizing the contrast between the visible and the hidden. The visible part contains an empty fluoxetine blister pack, symbolizing the medicalization of emotions in Western society. In the dark velvet-covered part lies a portion of psilocybin intended for microdosing, a practice recently reintroduced in Switzerland to treat depression, recalling ancestral uses. This juxtaposition underscores the epistemicide committed by the West against non-European sciences, highlighting remedies that are being rediscovered after being long ignored or dismissed.
RABBIT DUCK, 2024






Lapin Canard, Rabbit Duck Series
Matériaux : 6 photographies brillantes, collages numériques
Dimensions : 15 x 20 cm
Lapin Canard, Rabbit Duck Series
Materials: 6 glossy photographies, digital collages
Dimensions: 7.5 x 4.1 in
Lapin Canard : Une exploration des racines et des
vérités cachées
La série Lapin Canard, composée de six collages
numériques et photographiques, interroge la perception
et la quête de vérité à travers des symboles,
des images évocatrices, et des références
à la science, aux cosmogonies, et aux enjeux
contemporains de la technologie. Chaque collage
engage un dialogue entre passé et présent, entre
savoir visible et savoir enfoui.
Origine du Lapin-Canard :
Le lapin-canard est une figure emblématique
issue de l’ouvrage Fliegende Blätter, une revue
satirique allemande du XIXe siècle (1892),
dans laquelle une illustration montrait une figure
ambivalente : un animal perçu tantôt comme un
lapin, tantôt comme un canard. Cette image a été
popularisée par le philosophe et psychologue
Ludwig Wittgenstein dans son livre Recherches
philosophiques (1953). Wittgenstein utilise cette
illustration pour démontrer que la perception n’est
pas un simple acte passif, mais un processus actif
influencé par notre cadre culturel, nos expériences
et notre contexte. Ce symbole devient ainsi un
outil pour explorer la relativité de la réalité et des
vérités multiples.
OEuvre 1 :
Sur un fond noir, un petit lapin-canard blanc
apparaît en haut à gauche. Ce symbole invite le
spectateur à interroger ses perceptions et à explorer
les multiples facettes de la réalité. En bas
à gauche, un stéréogramme révèle, pour ceux
qui parviennent à le déchiffrer, une scène en 3D
: un tyrannosaure et un tricératops évoluent dans
un paysage composé de ciel bleu, de nuages, de
montagnes et de forêts.
Cette oeuvre aborde l’incertitude entourant les formes
de vie anciennes, mettant en question les théories
établies et les interprétations scientifiques. Inspirée
par Le Serpent Cosmique : L’ADN et les origines du
savoir de Jeremy Narby, l’oeuvre explore l’idée que
l’ADN et le serpent cosmique pourraient représenter
des vérités complémentaires sur nos origines.
OEuvres 2 à 5 :
Les oeuvres suivantes montrent une progression où le
lapin-canard, symbole clé, s’agrandit à chaque étape,
occupant de plus en plus d’espace. Cette amplification
symbolise une expansion de la perception, reflétant
un questionnement croissant sur la vérité et les réalités
multiples.
OEuvre 6 :
Dans la dernière composition, le stéréogramme
s’étend sur toute la partie inférieure de l’image. La
partie supérieure présente une page d’archives illustrant
les racines de Salsola passerina. Ces archives
proviennent des recherches de l’Université de Wageningen,
qui a numérisé une collection exceptionnelle
de dessins des systèmes racinaires de plus de 1 000
plantes, dirigées par les professeurs Erwin Lichtenegger
et Lore Kutschera (images.wur.nl).
Les racines, plus imposantes que la partie visible de
la plante, symbolisent le savoir enfoui, souvent inaccessible.
Elles invitent à une réflexion sur la profondeur
des connaissances nécessaires pour comprendre
le monde dans sa totalité.
Réflexion artistique :
Lapin Canard interroge l’impossibilité de tout voir, de
tout savoir, et de tout mesurer, un défi exacerbé par
l’ère de l’intelligence artificielle. Inspirée par le livre
Contre Atlas de l’IA, qui met en lumière les dangers
liés à l’intelligence artificielle et son impact sur les
systèmes sociaux et environnementaux, cette série
explore les limites des données et des algorithmes.
En connectant les symboles, les racines métaphoriques
et les questionnements cosmogoniques, Lapin
Canard souligne la nécessité de construire des ponts
entre les connaissances scientifiques, culturelles et spirituelles.
Elle invite à repenser la place de l’humanité
face à des systèmes de plus en plus complexes et à
réfléchir aux responsabilités liées à leur développement.
Cette série engage le spectateur dans un dialogue
sur les limites de la perception, les enjeux technologiques,
et les mystères qui continuent de défier notre
compréhension.
Lapin Canard: An Exploration of Roots and Hidden Truths
The Lapin Canard Series
Comprising six digital and photographic collages, the Lapin Canard series explores perception and the search for truth through symbols, evocative imagery, and references to science, cosmogonies, and contemporary technological challenges. Each collage creates a dialogue between past and present, between visible knowledge and buried wisdom.
Origins of the Rabbit-Duck
The rabbit-duck is an iconic figure originating from the Fliegende Blätter, a 19th-century German satirical magazine (1892), where an ambivalent illustration depicted an animal perceived either as a rabbit or a duck. This image was later popularized by philosopher and psychologist Ludwig Wittgenstein in his book Philosophical Investigations (1953). Wittgenstein used this illustration to demonstrate that perception is not a passive act but an active process shaped by cultural frameworks, personal experiences, and contextual influences. This symbol thus becomes a tool to explore the relativity of reality and the coexistence of multiple truths.
Work 1
On a black background, a small white rabbit-duck appears in the upper left corner. This symbol invites the viewer to question their perceptions and explore the multiple facets of reality. In the lower left corner, a stereogram reveals a hidden 3D scene for those able to decipher it: a Tyrannosaurus and a Triceratops moving through a landscape of blue sky, clouds, mountains, and forests.
This piece addresses the uncertainty surrounding ancient life forms, questioning established theories and scientific interpretations. Inspired by The Cosmic Serpent: DNA and the Origins of Knowledge by Jeremy Narby, the work explores the idea that DNA and the cosmic serpent may represent complementary truths about human origins.
Works 2 to 5
The following pieces depict a progression, where the rabbit-duck, a key symbol, gradually enlarges with each iteration, occupying more and more space. This expansion represents a broadening of perception, reflecting an increasing questioning of truth and the coexistence of multiple realities.
Work 6
In the final composition, the stereogram expands to cover the entire lower section of the image. The upper part features an archival illustration of the roots of Salsola passerina. These archives come from research conducted at Wageningen University, which has digitized an exceptional collection of root system drawings from over 1,000 plant species, led by Professors Erwin Lichtenegger and Lore Kutschera (images.wur.nl).
The roots, larger than the visible part of the plant, symbolize buried knowledge, often inaccessible. They invite contemplation on the depth of understanding necessary to grasp the world in its entirety.
Artistic Reflection
Lapin Canard explores the impossibility of seeing everything, knowing everything, and measuring everything—a challenge heightened by the age of artificial intelligence. Inspired by The Atlas of AI, a book highlighting the dangers of AI and its impact on social and environmental systems, this series examines the limitations of data and algorithms.
By connecting symbols, metaphorical roots, and cosmogonic inquiries, Lapin Canard underscores the need to build bridges between scientific, cultural, and spiritual knowledge. It invites reflection on humanity’s place in increasingly complex systems and on the responsibilities associated with their development.
This series engages the viewer in a dialogue about the limits of perception, technological challenges, and the mysteries that continue to defy our understanding.
COSMIC PARADIGMS, 2023




















Paradigme Cosmique
Paradigme cosmique est un collage numérique
composé de photographies de spores de champignons
hallucinogènes Golden Teacher, de coupes
transversales d’ADN B et de l’iris de l’artiste.
L’ADN B, présent dans toutes les formes de vie
sur Terre, agit comme une dentelle connectant
chaque élément de la composition. L’oeuvre s’inspire
du livre de l’anthropologue Jérémy Narby,
Le Serpent Cosmique : L’ADN et les Origines du
Savoir.
Les iris, dans un jeu d’échelles, deviennent des
planètes et forment des multivers. L’oeuvre invite
à un voyage contemplatif, faisant écho à une
exploration intérieure. Un miroir intégré reflète
l’espace d’exposition, tandis que le collage numérique
imprimé au centre empêche Narcisse de
tomber dans l’eau. Cette oeuvre questionne notre
perception visuelle à travers l’iris et la disparition progressive
des spores dans la série, un élément inspiré
du travail de Roman Opalka et de la disparition de ses
chiffres.
Roman Opalka, connu pour sa série 1965 / 1 ∞, a
consacré sa vie à peindre des chiffres consécutifs,
documentant le passage du temps. Avec chaque toile,
les chiffres étaient peints en blanc sur un fond progressivement
plus clair, rendant les chiffres de plus en plus
invisibles. Ce processus symbolisait la disparition, la
mortalité et le flux inexorable du temps. De la même
manière, Paradigme cosmique utilise la disparition des
spores comme une métaphore du passage du temps
et de l’effacement progressif, interrogeant notre manière
de percevoir et de comprendre le monde qui nous
entoure.
TRACKER, 2017

In her solo show Tracker, inspired by her lucid dreams,
Fiona Valentine Thomann evokes ideas of how communal
and private spaces are occupied or inhabited by entities
that are not easily perceivable but that nonetheless claim
an existence; for example the data ghost.
Influenced by the Internet of Things and Object
Oriented Ontology, she plays with various dimensions of
sound and visuals in her art. Her show Tracker allows for
such different dimensions to be experienced through the
usage of Augmented Reality 3D models. The shapes of
these models are freely drawn in digital space; they are
shaped like an idea, a gesture, a choreography. By placing
the body inside of the screen she examines different
relations of art to space and time, allowing for her work
to be mobile and transportable, always with you in your
pocket.
This makes the public a central component in her work,
they can surf inside her 3D models and make their own
trajectory through the 3D model Tracker much like video
games that are navigated by the gamer. The variety of
details that are thereby revealed make the experience of the
3D model different for everyone. She enables the audience
to explore different angles and discover different links in the
work through a plethora of sound and text that shape these
digital environments.
Her work allows you to experience both mentally
and physically the 3D models that are made accessible
via trackers. The trackers she uses are created through
a photographic interplay of screen-captures that serve
as textures inside her 3D model. Such a cinematographic
approach highlights the different details and the textures she
uses which function as thought references in her process.
They are a patchwork of different challenges human
kind faces in the world today. In her models you can find
anything from the wheel of human skin color made by Neil
Harbisson, the first cyborg that only sees black and white
and listen to color, to the Canadian company Vitalic’s pure
oxygen bottles ready to be send from China for 20 dollars
the bottle. Her work essentially questions what is visible and
the invisible to us, it underlines the simultaneous accessibility
and the inaccessibility of an artwork.
Text by Fiona Valentine Thomann and Milos Trakilovic
CALABI YAU, 2018

‘Calabi Yau’ is a physical and augmented reality (AR) installation
exhibited in Mexico City, at Los14, in March 2018.
‘Calabi Yau’ is a continuation of an ongoing research on lucid
dreaming that began with the work ‘Tracker’ in 2017 which
collects information from astral journeys.
By using cinematographic and astral techniques of meditation,
the work is experienced as an active collage in AR that
consists of digital prints and Agate rocks dating back some
30 millions years ago.
The work attempts to convey a ‘hyperobject’ in reference
to Timothy Morton’s eponymous book.
The Agate rocks are also believed to preserve ancestral spirits
of the ancient pre-Columbian civilization. These rocks are
translated and incorporated in the digital codes, which users
need to scan with their device in order to activate the AR
3d model of a physical, digital and Agate rocks composition
named ‘Calabi Yau’, in this way the work highlights Native
Mexican practices that precede the Anthropocene period.
Once the 3d model is activated in AR, users can surf inside
and explore the eight digital compositions/collage. These
compositions are inspired by animal visions and the perception
of other beings as referenced by Toni Morrison in ‘The
Origin of Others’. On page 38 of this book, Toni Morrison writes
how human being are always multifaceted and how ‘the other’
is always just a mirrored multiplicity of ourselves.
The eight digital compositions are comprised of portrait pictures
and various sentences taken from the works of Toni Morrison
and Chimamanda Ngozi Adichie. These two authors inspired the
installation ‘Calabi Yau’ and artist aims to utilize their ideas on
meditations, astral journeys and daily life during the art-making
process.
The second physical aspect of the ‘Calabi Yau’ installation consist
of a 1,60m tall sculpture titled ‘Air’. This sculpture is made
from metal and Agate rock and formed into a sacred geometric
shape of an octahedron. The measurements of this octahedron
correspond to the physical measurements of the artist.
The third sculpture is an obsidian mirror titled ‘Bicephal Eagle’
derived from a Mexican volcano in Guadalajara. The sculpture
‘Bicephal Eagle’ comes with a set of instructions that direct the
user to look at it for a minimum of 5 minutes in order to begin
their initial astral trip. In doing so, the artist attempts to find
ways in which we can experience dark matter and dark energy
through meditation, astral projection and lucid dreaming

Calabi-Yau Space
2018
Détails : capture d’écran du modèle 3D .dae, «Calabi-
yau space» observé via l’application AR. ‘AR FVT’
(Google play/Apple store)
Details : screencapture of the 3D model .dae, ‘Calabiyau
space’ observed through the AR App. ‘AR FVT’
(Google Play /Apple Store)

Compo 1
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR


Compo 2
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR

Compo 3
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR

Compo 4
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR

Compo 5
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR

Compo 6
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR

Compo 7
Série de huit collages digitale utilisés en textures
du modèle 3D de ‘Cabali-yau space’ en RA
Series of eight digital collages used as textures
of the 3D model of ‘Cabali-yau space’ in AR
ADN, DNA, Tardigrade, 2018
ADN, DNA, Tardigrade : Une exploration artistique
des origines et de l’autre
L’oeuvre ADN, DNA, Tardigrade est une création hybride
où se mêlent matières physique et virtuelle,
sciences et rêves, pour interroger les origines du
savoir et la place de l’humain parmi les autres
espèces. Exposée dans la forêt du Fey à Villecien,
cette pièce immersive fusionne un collage numérique
imprimé sur toile avec une oeuvre en réalité
augmentée (RA), accessible via l’application AR
FVT disponible sur l’App Store et Google Play.
Le collage numérique : une évocation cryptée de
l’ADN
Le collage numérique dérive d’une photographie
de la forêt du Fey, un lieu chargé de mystère et
de symbolisme. Dans cette composition dense, les
dessins éthérés de la molécule d’ADN apparaissent
de manière subtile, presque subliminale. La double
hélice, enchevêtrée dans un réseau de claviers
hexagonaux – échos d’une humanité hyperconnectée
– évoque le serpent cosmique décrit par Jeremy
Narby dans L’ADN et les Origines du Savoir.
L’oeuvre invite à une réflexion sur l’interconnexion
entre le vivant, le technologique et le symbolique.
Le modèle 3D de Calabi-Yau : un voyage onirique
Attaché à cette toile, un modèle 3D en réalité
augmentée s’anime grâce à AR FVT. Inspiré des
rêves lucides de l’artiste, ce modèle représente
une forme à la fois mathématique et organique :
un espace de Calabi-Yau à l’apparence d’un oiseau,
porteur de huit textures numériques. Ces textures,
issues de collages interrogeant la notion de l’autre,
résonnent avec les paroles de Toni Morrison selon
lesquelles «l’autre est une facette de soi-même
encore inexplorée». L’oeuvre reflète la façon dont
différentes espèces perçoivent le monde : les chiens,
par exemple, ne voient pas le rouge, une limite qui
souligne la subjectivité des perspectives.
Les tardigrades : modèles de résilience
Deux tardigrades agrandis, découpés et intégrés à
l’impression sur toile, symbolisent l’idéal de résilience
et de transcendance. Ces créatures microscopiques,
capables de survivre aux conditions les plus extrêmes
et de revenir à la vie après une mort apparente,
deviennent une métaphore de l’envie humaine
de dépasser ses propres limites. Selon l’artiste,
l’humanité ressent une forme de jalousie envers ces
étres quasi-immortels, tout en s’inspirant de leur
capacité à renaître.
Un dialogue entre visible et invisible
ADN, DNA, Tardigrade est une invitation à explorer
les interstices entre science, art et spiritualité. L’assemblage
du collage physique et du modèle virtuel
engage le spectateur à reconsidérer la notion d’autre
et à reconnaître la richesse des perspectives qui
dépassent l’humain. Cette oeuvre, par sa complexité
et sa multidimensionnalité, illustre l’évolution des
savoirs et des sensibilités face à un monde toujours
plus fragmenté et interconnecté.
ADN, DNA, Tardigrade: An Artistic Exploration of Origins
and the Other
The artwork ADN, DNA, Tardigrade is a hybrid creation
where physical and virtual materials, science,
and dreams converge to question the origins of
knowledge and the human place among other
species. Exhibited in the Fey Forest in Villecien, this
immersive piece combines a digital collage printed
on canvas with an augmented reality (AR) artwork
accessible through the AR FVT application available
on the App Store and Google Play.
The Digital Collage: A Cryptic Evocation of DNA
The digital collage originates from a photograph of
the Fey Forest, a site imbued with mystery and symbolism.
In this dense composition, ethereal drawings
of the DNA molecule subtly and almost subliminally
emerge. The double helix, intertwined with a network
of hexagonal keyboards – echoes of a hyperconnected
humanity – evokes the cosmic serpent described
by Jeremy Narby in The Cosmic Serpent: DNA and
the Origins of Knowledge. The artwork invites reflection
on the interconnection between the living, the
technological, and the symbolic.
The Calabi-Yau 3D Model: A Oneiric Journey
Attached to the canvas, a 3D model in augmented
reality comes to life through AR FVT. Inspired by the
artist’s lucid dreams, this model represents a form
that is both mathematical and organic: a Calabi-Yau
space resembling a bird, carrying eight digital
textures. These textures, derived from collages
interrogating the notion of the other, resonate with
Toni Morrison’s words that “the other is a facet of
oneself yet to be explored.” The artwork reflects
how different species perceive the world: dogs, for
instance, cannot see red, a limitation that underscores
the subjectivity of perspectives.
Tardigrades: Models of Resilience
Two enlarged tardigrades, cut out and integrated
into the printed canvas, symbolize the ideal of
resilience and transcendence. These microscopic
creatures, capable of surviving extreme conditions
and reviving after apparent death, become a metaphor
for humanity’s desire to surpass its own limits.
According to the artist, humanity experiences a form
of envy toward these near-immortal beings while
drawing inspiration from their ability to be reborn.
A Dialogue Between Visible and Invisible
ADN, DNA, Tardigrade is an invitation to explore the
intersections between science, art, and spirituality.
The combination of the physical collage and the
virtual model engages the viewer to reconsider
the notion of the other and recognize the richness
of perspectives beyond the human. This artwork,
through its complexity and multidimensionality, illustrates
the evolution of knowledge and sensitivities
in an increasingly fragmented and interconnected
world.
